Rückblick auf Ronin

April 2, 2024
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Ronin ist nach wie vor für seine Verfolgungsjagden sehr beliebt – aber steckt da noch mehr dahinter? Wir feiern sein 20-jähriges Jubiläum mit einem frischen Touch …

Es ist nicht ganz ohne Grund, dass John Frankenheimers „Ronin“ ein Film ist, der vor allem wegen seiner aufwändigen Verfolgungsjagden in Erinnerung bleibt. Immerhin enthält der Film einige der pulsierendsten, packendsten und geradezu gefährlichsten Verfolgungsjagden, die jemals in einem Film gedreht wurden. In diesem Film steckt jedoch viel mehr als nur hochdynamische Stuntarbeit.

Da Ronin 2018 sein 20-jähriges Jubiläum feiert, ist es ein guter Zeitpunkt, einen Blick zurück auf einen oft übersehenen Actionthriller zu werfen, der spannende, hochriskante Spionagespiele mit einem unterschwelligen Ton wehmütiger Melancholie verbindet.

Ronin spielt überwiegend in den französischen Städten Paris und Nizza und erzählt von einer multinationalen Gruppe ehemaliger Geheimdienstmitarbeiter und einer Schurkengalerie krimineller Netzwerke, die versuchen, die Verantwortung für einen mysteriösen Fall zu übernehmen. Der obskure Titel des Films ist eine Anspielung auf herrenlose Samurai aus dem feudalen Japan, die nach dem Verlust ihres Arbeitgebers dazu übergingen, nomadische Schwerter zu leihen. Hier sehen wir moderne Äquivalente, hochqualifizierte Mitarbeiter in einer Welt nach dem Kalten Krieg, die jetzt keine Agentur mehr haben und eine Erwerbstätigkeit suchen.

Den ganzen Film über herrscht ein unterschwelliges Gefühl der Trostlosigkeit, das diese Männer und das Leben, das sie gewählt haben, umgibt. Diese düstere Stimmung wird nicht zuletzt durch die triste Innenstadtkulisse des Films unterstützt. Es gibt keinen Glanz oder Glanz in der Umgebung und keine malerischen Stadtlandschaften. Stattdessen spielt sich der Film entlang zerschlissener Straßen und unter grauem Himmel ab. Es ist ein Film, der auf regennassen Pflastersteinen, in schmuddeligen Seitenstraßenbars und feuchten Hinterzimmern spielt, in denen zwielichtige Männer in langen Mänteln kaum miteinander reden.

Das Originaldrehbuch für den Film wurde von JD Zeik geschrieben, doch der renommierte Dramatiker David Mamet sorgte dann für eine ziemlich heftige Panne. Der Umfang von Mamets Arbeit an dem Projekt ist jedoch umstritten. Zeiks Team bleibt ziemlich hartnäckig, dass es minimal war, aber die LA Times zitierte Frankenheimer selbst mit den Worten: „Der Abspann sollte lauten: ‚Geschichte von JD Zeik, Drehbuch von David Mamet‘, … Wir haben keinen Teil von Zeiks Drehbuch gedreht.“

Mamet wird allgemein zugeschrieben, dass er die Rolle von Robert De Niros rätselhaftem Sam verstärkt hat, und seine Fingerabdrücke scheinen sich überall in einem Drehbuch zu finden, das von lebhaftem Hin und Her, zynischen Erwiderungen und Fachjargon geprägt ist. Irgendwann wurde er im Film erwähnt, allerdings als „Richard Weisz“, ein Schritt, der auf seine frustrierende Erfahrung bei „Wag the Dog“ zurückzuführen ist, nach der Mamet schwor, seinen Namen nur bei Filmen anzugeben, bei denen er die alleinige Anerkennung als Autor erhält.

Besonderes Lob gebührt auch dem Kameramann Robert Fraisse für seine Arbeit im Film. Der DP nutzte in großem Umfang Weitwinkelobjektive, um den von Frankenheimer geforderten Deep-Focus-Look zu erzielen. Die Auswirkungen davon sind sowohl in den ruhigeren Innenaufnahmen zu spüren, in denen die gesamte Crew klaustrophobisch zusammengepfercht wirkt, als auch in den geschäftigeren Außenaufnahmen, in denen die Zerstörung durch die Verfolgungsjagden in der ganzen Stadt deutlich zu spüren ist. Diese Verfolgungsjagden stellten Fraisse und seine Crew natürlich vor eigene Herausforderungen, da der umfangreiche Einsatz von Steadicams und eine große Portion Kreativität erforderlich waren, um Aufnahmen in solch halsbrecherischer Geschwindigkeit zu machen.

Ronin ist außerdem mit einer großartigen Ensemblebesetzung gesegnet. Im Mittelpunkt steht natürlich Robert De Niros ehemaliger CIA-Agent und Mann der wenigen Worte, Sam. Es ist vielleicht nicht seine glamouröseste oder anspruchsvollste Rolle, aber De Niro liefert dennoch eine Menge ab und beschert uns einen rätselhaften Charakter, dessen beeindruckende Bandbreite an Fähigkeiten ihn als einen Mann mit einer bewegten Vergangenheit auszeichnet. Unsere Einführung in Sam ist hervorragend und verrät uns alles, was wir über seine Denkweise und sein vorsichtiges Wesen wissen müssen. Als er in einem Seitenstraßencafé ankommt, scannt er die heruntergekommene Umgebung. Nachdem er die verfügbaren Fluchtwege sorgfältig untersucht hat, platziert er eine Waffe vor der Hintertür, bevor er ruhig durch die Vordertür eindringt. Kurz nachdem er das Café betreten hat, sehen wir, wie er den Gang zur Toilette als Vorwand nutzt, um sicherzustellen, dass die Hintertür aufgeschlossen wird, falls er sie benötigt. Als er zu einem späteren Zeitpunkt gefragt wird, warum er dies getan hat, liefert er die unsterbliche Zeile: „Lady, ich gehe nie an einen Ort, an dem ich nicht weiß, wie ich rausgehen soll.“

In einer weiteren herausragenden Szene gibt De Niros Sam Sean Beans verwirrtem ehemaligen SAS-Mann Spence eine vernichtende Zurechtweisung. Während Spence dem Rest des Teams einen traurigen Raubüberfallplan auf einem Whiteboard vorstellt, steht Sam sofort auf und wischt ihn weg, bevor er seinen Kollegen anfleht, ihn „noch einmal zu zeichnen“. Während Spence in Panik gerät und verwirrt aussieht, nutzt Sam Psychospielchen, um den bedrängten Briten als Betrüger zu entlarven. Es sind kleine Momente wie dieser, die uns einen aufschlussreichen Einblick in Sams kampferprobte Geschichte geben.

Die Charaktere in „Ronin“ sind keine Spione im eigentlichen Sinne, aber der Film besitzt durchaus die Ästhetik eines Spionagespiels. Es ist die Geschichte von erfahrenen Agenten, die über dem Gesetz stehen und sich in unbekannten Städten unter die Leute mischen, denen nur ihr eigener Verstand Schutz bietet. Es gibt mehrere wundervolle kleine Szenen, die einen aufschlussreichen Einblick in die Tricks des Handwerks geben, die diese Männer auf ihrem Weg gelernt haben. Szenen wie Sams genialer Trick, ein paar Fotos von dem Fall zu machen, oder als er denkwürdigerweise gezwungen wird, sich selbst zu operieren, verleihen seiner Hintergrundgeschichte ein wenig zusätzliche Tiefe.

Neben De Niro gibt es auch eine starke Nebenrolle, darunter Jean Reno als örtlicher Fixer Vincent, Skipp Sudduth (ein Amateur-Stuntfahrer, der den Großteil seiner Fahrten selbst gemacht hat) als Fluchtfahrer Larry und Stellan Skarsgard als Gregor, der ehemalige deutsche KGB-Mann und Resident-Tech-Experte. Auch Natascha McElhone und Jonathan Pryce leisten hervorragende Arbeit als entschlossene irische Agenten, die den Fall um jeden Preis an sich reißen wollen.

Besonders hervorzuheben ist Skarsgard in der Rolle des hinterlistigen Abtrünnigen Gregor. Er bringt die rücksichtslose und unbeholfene Seite der Figur auf den Punkt, wobei eine bestimmte Szene in der Nähe eines Spielplatzes besonders gruselig ist. Auch Sean Beans kurze Rolle als armer Spence macht großen Spaß, ein Mann, der eindeutig überfordert ist und für die Feinheiten der internationalen Spionage erbärmlich schlecht gerüstet ist. Ich erinnere mich noch immer an seinen Charakter, als er nach einem knappen Entkommen aufgeregt einen völlig wenig überzeugenden ___ney-Reim-Slang über „ein bisschen Himbeermarmelade da hinten“ vorträgt, nur um ihn dann prompt zum Anhalten aufzufordern, damit er sich übergeben kann.

Der tatsächliche Inhalt dieses vielbeachteten Falles bleibt offenbar durchgehend ein Rätsel. Während sich die Aktion entfaltet, wissen wir nur, dass eine Reihe krimineller Netzwerke verzweifelt danach streben, es für ihre eigenen schändlichen Zwecke zu erwerben. Am Höhepunkt des Films stellen wir jedoch fest, dass der Fall und sein Inhalt letztlich überhaupt keine Bedeutung haben. Es gehört neben Werken wie der Aktentasche „Pulp Fiction“ und „Maltese Falcon“ von The Maltese Falcon zu den großen filmischen Macguffins. Der Fall ist von entscheidender Bedeutung für die Terrorgruppen, die um seinen Besitz wetteifern, aber für unsere Bande von Gesetzlosen und Agenten ist er eigentlich nur ein Mittel zum Zweck.

So wichtig diese talentierte Besetzung und Crew auch für die Gestaltung des Films waren, es war zweifellos Regisseur John Frankenheimer, der den mit Abstand größten Einfluss auf den fertigen Artikel hatte. Man sagt, er sei so etwas wie ein Regisseur der alten Schule gewesen, der über nahezu jeden Aspekt der Filmproduktion, von der umfangreichen Stunt-Arbeit bis hin zur präzisen Farbpalette, ein großes Maß an kreativer Kontrolle ausübte.

Frankenheimer ist vor allem als Regisseur der 60er-Jahre-Klassiker „The Birdman Of Alcatraz“ und „The Manchurian Candidate“ bekannt, aber auch für kleinere Hits wie die gefeierte Fortsetzung „The French Connection 2“ und den Motorsport-Liebling „Grand Prix“. Es wäre jedoch nicht unfair zu behaupten, dass sein Star vor Ronin etwas im Sinkflug war und der Film tatsächlich so etwas wie ein Comeback darstellte.

Angesichts seines Hintergrunds in politischen Thrillern, rasanter Spionage und den seltsamen motorisierten Actionsequenzen ist klar, was den Regisseur an einem Projekt wie „Ronin“ interessiert hat. In einem Interview auf der Blu-ray des Films bemerkt er treffend: „Ich dachte, ich könnte es schaffen, ich dachte, ich könnte es ziemlich gut schaffen.“ Es schien zu den Dingen zu passen, die ich kann.“

Wie recht hatte er auch. Frankenheimer nutzte seine umfangreiche Erfahrung, um einen Film zu schaffen, der uns mühelos in die kriminelle Unterwelt eintauchen lässt. Er fängt sowohl die Einsamkeit und die Kameradschaft des Lebensstils perfekt ein als auch das innere Dilemma der beteiligten Männer, die theoretisch an einen strengen Kodex gebunden sind, tief im Inneren aber immer auf der Suche nach dem Meistbietenden sind. Die Terrornetzwerke, die zwielichtigen Agenten, alles fühlt sich sehr unheimlich, nicht vertrauenswürdig und von Natur aus gefährlich an. All das passt perfekt zu den intensiven Action-Ausbrüchen, die der Regisseur einwebt.

Frankenheimer sorgte dafür, dass bei Ronins Produktion großer Wert auf Authentizität gelegt wurde. Man erkennt deutlich, dass die überwiegende Mehrheit der Szenen vor Ort gedreht wurde, und man kann den Zigarettenrauch in der Luft förmlich riechen und den Nieselregen auf dem Gesicht spüren. Der Realismus des Films kommt jedoch erst richtig zur Geltung, wenn es um die vielgelobten Verfolgungsjagden geht. Diese hochoktanigen Sequenzen stehen in der Diskussion über die ganz Großen aller Zeiten auf Augenhöhe mit Künstlern wie Bullitt und French Connection. Jede Sekunde davon wurde vom Regisseur im Vorfeld akribisch geplant, der sich dafür entschied, vor Ort in den belebten Straßen von Nizza und Paris zu drehen. Er weigerte sich, CGI zur Verwirklichung seiner Vision einzusetzen, da er stattdessen der Meinung war, dass nur echte Stuntarbeit die von ihm benötigte Authentizität liefern würde.

Wenn es um die eigentliche Aufgabe ging, die Stunts zu filmen, saßen De Niro und der Rest der Besetzung zum Zeitpunkt der Dreharbeiten meist noch tatsächlich in den Autos. Sie saßen in Autos mit Rechtslenkung, saßen aber auf dem linken Sitz, der so geschminkt war, dass es aussah, als würden sie fahren, während ein erfahrener Stuntfahrer neben ihnen die eigentliche Arbeit erledigte. Für Nahaufnahmen der Innenräume wurden die Autos hingegen einfach in zwei Hälften geteilt und dann von Stuntmen mit noch schnelleren Motoren durch die Straßen gezogen.

Berichten zufolge wurden für die letzte Verfolgungsjagd bis zu 300 Stuntfahrer eingesetzt, und man kann nur vermuten, wie viele BMWs und Peugeots dabei zerstört wurden. Der ehemalige F1-Fahrer Jean-Pierre Jarier war nur einer der vielen Experten, die mit Geschwindigkeiten von bis zu 100 Meilen pro Stunde durch die kompakten Straßen der Stadt jagten.

Frankenheimer und Frisse haben in diesen Sequenzen hervorragende Arbeit geleistet und uns direkt in das Geschehen eintauchen lassen, ohne dabei das Gefühl für die Katz-und-Maus-Verfolgung zu verlieren, die sich abspielt. Die Aufnahmen wechseln von engen Tiefwinkelaufnahmen in den Autos selbst zu Weitwinkelaufnahmen, die die Anarchie einfangen, die ihnen folgt. Der Regisseur verzichtete auch deutlich darauf, während der Verfolgungsjagden irgendeine Art von Filmmusik zu verwenden, da dies von der Intensität des Augenblicks ablenken könnte. Sein Engagement, das Chaos einzufangen, wird durch die Zeile im Blu-ray-Kommentar perfekt auf den Punkt gebracht: „Ich glaube nicht, dass Gewalt in Zeitlupe passiert.“

Es ist offensichtlich, dass der Regisseur eine große Affinität zum Motorsport und zu Autos im Allgemeinen hat, wobei die Verfolgungsjagden offensichtlich alle mit viel Liebe und Hingabe gestaltet sind. Um unseren eigenen Ryan Lambie aus seinem detaillierten Blick auf die entscheidende Verfolgungsjagd zu zitieren: „In dieser Szene inszeniert Frankenheimer mit zurückhaltender, schnörkelloser Brillanz.“ Robert Fraisses düstere Kinematographie ist dynamisch und aufregend … Man hat hier wirklich das Gefühl, dass Frankenheimer und sein Team diese anarchische Explosion durch Paris in vollen Zügen genießen. Wie sonst können wir die schiere Länge und das Ausmaß der Zerstörung der Szene erklären? „

Ronin ist natürlich nicht ganz ohne Fehler. Die Liebesgeschichte zwischen Sam und Deidre fühlt sich ein wenig fehl am Platz an und das Tempo lässt merklich nach, sobald die Action zum Höhepunkt des Eistanz-Versatzstücks übergeht. Abgesehen von diesen kleinen Kritikpunkten ist es jedoch immer noch ein makellos gemachter und unglaublich unterhaltsamer Action-Thriller. Der Film ist gesegnet mit einer starken Besetzung, einer verdrehten Handlung und Frankenheimers meisterhafter Regie, die für einen angemessen trostlosen und kompromisslosen Ton sorgte.

Es ist nicht der auffälligste Film, aber das ist Teil seines reduzierten Charmes. Es geht nicht darum, dieses Leben als einen glamourösen Weltenbummel darzustellen. Stattdessen ist es ein Proto-Bourne, der die düstere Realität des Lebens auf der Flucht und die darin agierenden Waffen zeigt.

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