Martin McDonagh-Interview: Drei Werbetafeln außerhalb von Ebbing, Missouri

In Brügge unterhält sich Regisseur Martin McDonagh mit uns über seinen neuen Film Three Billboards Outside Ebbing, Missouri…

Nachdem Martin McDonagh seine Referenzen am Theater sicher etabliert hatte, wurde er mit dem unvergesslichen und beliebten Film „In Brügge“ zum Insta-Kultfilmregisseur. Er veröffentlicht gerade erst seinen dritten Spielfilm in fast einem Jahrzehnt, aber „Three Billboards Outside Ebbing, Missouri“ hält McDonaghs unmittelbares Versprechen als Autor sowohl für die Leinwand als auch für die Bühne großzügig ein.

Wir haben letztes Jahr am Telefon über diesen Film gesprochen, darüber, was McDonagh als nächstes vorhat und auch über die Lehren, die McDonagh aus „Sieben Psychopathen“ gezogen hat.

Eines der Dinge, die mich an diesem Film am meisten interessiert haben, ist, was er über die Sprache sagt. Die erste Waffe, die wir sehen, sind Worte, dann gibt es eine Menge Diskussionen darüber, was wir sagen können und was nicht, und die Charaktere nutzen die Sprache definitiv als Waffe.

Es gab in diesem Film keine bewusste Entscheidung, etwas über die Sprache zu sagen, aber die meisten meiner Charaktere, sogar in meinen Stücken, reden lieber über die Art und Weise, wie wir über Dinge reden, als nur über Dinge. Im wirklichen Leben bin ich vielleicht sehr PC-affin, aber ich glaube nicht, dass ich das auf der Bühne oder auf der Leinwand sein muss. Es ist viel interessanter zu versuchen einzufangen, wie Menschen in solchen Situationen tatsächlich sprechen, ohne jegliches Urteilen oder Festhalten zurück. Dies ermöglicht auch die Szene zwischen Frances und Sam im Verhörraum, in der das „n-Wort“ verwendet wird; Wenn eine Person entschlossen wäre, dieses Wort im Film nicht zu verwenden, würde das den Sinn dieser Szene, in der es um Rassismus geht, ausblenden. Wenn Sie nicht die Freiheit haben, darauf hinzuweisen, auch wenn es fast sarkastisch ist, würden Sie die Kraft einer solchen Szene verlieren.

Wenn ich über die Worte auf den Werbetafeln selbst nachdenke: Hat das viel Arbeit gekostet? Wie schwer war es, sie richtig hinzubekommen?

Überhaupt nicht, und ich werde Ihnen sagen, warum. Das liegt daran, dass ich vor etwa zwanzig Jahren auf einer Reihe von Werbetafeln etwas gesehen habe, das fast identisch ist mit dem, was wir auf den ersten beiden Werbetafeln sehen, sie sind im wahrsten Sinne des Wortes wörtlich.

Haben Sie sich mit dem Fall befasst? Haben Sie es recherchiert?

Ich habe es versucht, aber es war vor zwanzig Jahren und das konnte man nicht, und ich wusste nicht genau, wo es war. Für Google ist das eine knifflige Sache.

Ich kann mir vorstellen, dass wir jetzt noch mehr über diese Geschichte hören werden.

Vielleicht, und das wäre interessant. Ich war in einem Bus, der irgendwo durch die Südstaaten fuhr, es hätte Georgia sein können, es hätte Alabama sein können, ich bin mir nicht sicher, wo der Bus war, und im wahrsten Sinne des Wortes fuhr er im Handumdrehen an mir vorbei. Fast wie ein Traum – aber das ist es nicht, ich habe es definitiv gesehen. Mich würde interessieren, was die wahre Geschichte war.

Bevor die Worte angebracht werden, sehen wir die Werbetafeln in ihrer heruntergekommenen Form. Ich stelle mir vor, dass sie sehr sorgfältig entworfen wurden.

Wir wollten etwas ganz Altmodisches. Die Stadt selbst hatte den Eindruck, als hätte sie sich seit den 40er oder 50er Jahren nicht verändert, deshalb wollten wir, dass die Werbetafeln in ihrem ursprünglichen Zustand diese Atmosphäre vermitteln und trotz ihres baufälligen Zustands farbenfroh, vielleicht sogar hoffnungsvoll wirken. Es kontrastiert mit der Strenge der neuen Version, dem Rot und dem Schwarz. Wir wollten etwas, das die Blicke auf sich zieht, Bilder … und dann haben wir darüber nachgedacht, was die Werbetafeln in dieser Region haben würden: Touristeninformation, Berge, „Geh und besuch das bla bla bla“. Und wir spielen dies in der Ozark-Region, also geht es darum, Menschen willkommen zu heißen. Aber es geht vor allem darum, dass sie zwar schön, aber heruntergekommen sind.

Meine Frau kommt aus Kentucky, also war ich in einigen sehr kleinen amerikanischen Städten und Ihre Stadt wirkte authentisch, aber wie echt ist sie? Wie ist es aufgebaut?

Bildlich? Die Stadt, in der wir gedreht haben, ist Silver in North Carolina. Es ist im Grunde eine Einstraßenstadt, die so aussieht, wie Sie es im Film sehen. Wir haben ein Möbelhaus in ein Polizeirevier verwandelt und das Büro auf der anderen Straßenseite in unser Werbebüro. Da gab es keinen allzu großen Unterschied, und auch sonst war alles so, wie wir es vorgefunden haben. Wir haben lediglich alles weggelassen, was sie zu modern gemacht hat: alle Neonfarben, die nicht unsere Neonfarben waren, alles, was uns sehr im Jahr 2017 auffiel. Der Look, den wir wollten, war eine Stadt, die sich seit 1950 überhaupt nicht verändert hatte und gewonnen hat. Wenn die Leute den Film damals gesehen haben, hat sich in 30 Jahren nicht viel verändert.

Sie scheinen eine Repräsentationsfirma aufzubauen, die Martin McDonagh Players.

Genau!

Hatten Sie diese Truppe für diese Rollen im Sinn? Und beeinflusst das die Art, wie Sie schreiben?

Es wurde für Frances und für Sam geschrieben, und erst als das Drehbuch fertig war, dachte ich: „Wer könnte das spielen?“ und „Wer könnte das spielen, mit dem ich zuvor gearbeitet habe?“ Es ist also nicht so, dass es zum Beispiel für Zeljko geschrieben wurde, der den Sergeant spielt. Aber sobald es auf der Seite ist, würde ich denken, da ich Zeljko schon zweimal verwendet habe, einmal in einem Film, einmal in einem Theaterstück: „Wo kann ich Zeljko einfügen, damit das funktionieren würde?“

Und bei all den kleineren Teilen denkt man: „Wer war in Seven Psychos, den ich liebe?“ So spielte Amanda Warren, die die schwarze Freundin von Mildred spielt, im vorherigen Film die Frau von Tom Waits. Das war ein einfacher Weg, weil sie eine großartige Schauspielerin ist.

Und Woody natürlich. Das Gute daran ist, dass sie alle Freunde sind, auch wenn sie nur für ein paar Tage herkommen, wir haben bereits Kurzschrift. Ich denke, das zeigt sich sogar bei den kleineren Charakteren im Film. Sie sind ziemlich entspannt und ziemlich real.

Ich bin sehr daran interessiert, wie Sie zum ersten Mal mit Frances über die Rolle von Mildred gesprochen haben und welche anfängliche Vorstellung davon, wer Mildred ist und wie man sie ansprechen sollte, und wie sich das in Ihren Gesprächen herauskristallisiert hat.

Einer der wichtigen Punkte war, dass wir sie nicht sentimentalisieren würden, wir würden sie nicht weicher und mütterlicher machen und uns voll und ganz auf ihre Stärke, Intelligenz, Unverschämtheit und Provokation konzentrieren. Wir wollten sie nie schöner und schmackhafter machen. Obwohl sie technisch gesehen die Heldin des Stücks ist, tut sie Dinge, die völlig aus der Reihe geraten und nicht zu rechtfertigen sind. Das ist einer der Gründe, warum ich sie wirklich mag, die Figur und Frances‘ Art, sie zu spielen. Sie ist wirklich dreidimensional und niemand, von dem man sagen könnte, dass er überhaupt der perfekte Mensch ist. Das ist meiner Meinung nach eine gute Charakterisierung und macht ihn hoffentlich zu einem Film, den man mehr als einmal sehen kann. Es ist keine einfache Helden-gegen-Schurken-Geschichte.

Umgekehrt ist Sams Charakter zunächst jemand, der völlig verwerflich ist – oder zumindest scheinbar –, aber seine Veränderung ist fast die interessanteste.

Sie sagen, er beginnt völlig verwerflich, aber in den ersten paar Sekunden ist er unglaublich charmant – zumindest bis er etwas unternimmt.

Ja! Wenn er alleine ist, geht es ihm gut.

Gibt es bei Ihrer Arbeit mit Ben Davis, Ihrem Kameramann hier, Grundsätze oder Regeln, die Sie für die Dreharbeiten des Films festgelegt haben?

Wir haben beide eine große Liebe zu amerikanischen Filmen der 1970er Jahre und wollten daher zumindest teilweise selbst einen machen. Bei unseren Diskussionen ging es darum, so viel Kamerabewegung wie möglich beizubehalten, aber nicht verrückt zu werden. Wir wussten, dass es sich um ein Charakterdrama handelte, bei dem es mehr um die Menschen als um die Kamerabewegungen ging, also wollten wir nicht, dass es protzig wirkte. Abgesehen von diesem einen Schuss, dem großen Schuss, bei dem Sam reingeht und zusammenschlägt … nun, ich wollte, dass das ein ununterbrochener Schuss ist.

Warum?

Für das Kino davon. Aber auch das Drama und die Gefahr, einem gewalttätigen Menschen zu folgen, im Wissen, dass er an einen Ort gelangt, an dem etwas Schlimmes passieren wird, und nie einen Schnitt zu bekommen, um die Spannung abzubauen.

Das ist eine Art Alan Clarke-Denkweise.

Genau. Und wir haben es geschafft. Ich hasse Fälschungen immer … wenn etwas vorgibt, ein ununterbrochenes Foto zu sein, aber wenn es an einem Fensterrahmen vorbeigeht, weiß man, dass es einen Schnitt gegeben hat. Computer haben es uns ermöglicht, den Eindruck zu erwecken, dass diese Aufnahmen unzerstört sind.

Sie versprechen also, dass es sich um eine Einzelaufnahme handelt.

100%. Wir haben wochenlang mit der Planung verbracht und dachten, dass es dauern würde. Wir waren nicht sicher, ob wir es hinbekommen würden, aber beim vierten oder fünften Take hatten wir es geschafft und mussten für den Rest etwas anderes finden, was wir tun konnten des Tages. Es geht nicht nur darum, mit der Steadicam die Treppe hinauf, die Treppe hinunter und wieder zurück zu fahren, und dabei kann alles schief gehen, sondern es sind auch große Stunts, Make-up-Wechsel und Kostümwechsel nötig, die man nicht unbedingt sieht. Schläge ins Gesicht, die abgewehrt werden müssen, und anhaltende Autos – so viele Dinge hätten schiefgehen können, aber nichts davon ist schiefgegangen, jeder hat seinen Job so brillant gemacht. Es ist meine Lieblingsaufnahme im Film.

Hinter der Kamera lauern Leute, die hereinstürmen und Calebs Gesicht retuschieren …

Es gibt fast eine Art Zaubertrick. Versuchen Sie herauszufinden, wie wir es gemacht haben.

Du kannst uns nicht so hängen lassen.

Schauen Sie es sich genau an und sehen Sie, wie wir es gemacht haben.

Kann ich also sagen, dass es mehr als zwei Personen in der Szene gibt?

Aha! Nicht schlecht nicht schlecht.

Eine der interessantesten formalen Entscheidungen, und wir können sehen, wie sich die Geschichte darauf auswirkt, besteht darin, dass farbige Menschen im Bild ausgegrenzt werden, bis … nun ja, bis sie es nicht mehr sind und ganz in den Mittelpunkt gerückt werden. Diese Stadt hat sie an den Rand gedrängt, und später taucht Clarke Peters auf und alles fängt an, sich auszuzahlen – und nach dem Abzeichen steht er im Mittelpunkt.

Das war Teil des Denkens, das stimmt. Wir wollten ein Bild von … nun, das kennen Sie vielleicht auch aus Kentucky, viele Städte sind auch heute noch schwarze oder weiße Städte. Die wohlhabenden Städte, die wir sahen, waren alle weiß und die heruntergekommeneren Städte waren alle schwarz, und das war in der heutigen Zeit schockierend.

Wirklich ein Symptom der Malaise Amerikas. Mehr als nur „ein Problem“. Schrecklich.

Ja.

Können wir über Carter Burwells Musik sprechen? Ich gehe davon aus, dass Sie den Film mit ihm gesehen und ihm gesagt haben, was Sie wollten. Erinnern Sie sich, worum es in diesen Gesprächen ging?

Bis zu einem gewissen Grad überlasse ich Carter die Sache. Ich mag ein schönes Lied, deshalb hoffe ich immer, dass ihm eines einfällt. Er hatte die Idee, dass es ein Spaghetti-Western sein sollte, in dem Mildred wie eine John-Wayne-Figur in die Stadt kommt, um die Bösewichte auszumerzen. Das Thema, das auftaucht, sobald wir Mildred sehen, ist ganz im Stil von Sergio Leone. Als ich es hörte, dachte ich: „Fick mich, das ist großartig“, denn darüber hatte ich nicht wirklich nachgedacht. Es verleiht dem Film auf jeden Fall mehr Western-Feeling, als ich erwartet hatte.

Und das kommt zu dem hinzu, was Frances über die Figur dachte, die John Wayne als Vorlage für die Haltung und insbesondere für ihren Gang verwendete. Ich bin kein großer John-Wayne-Fan – ich bevorzuge Montgomery Clift –, aber ich sehe den Western im fertigen Film und Carters Musik hat das herausgeholt.

Welche Ambitionen haben Sie noch? Was konnten Sie bisher noch nicht erreichen, was Sie gerne tun würden?

Es geht vielmehr darum, die Standards auf diesem Niveau zu halten. Mit „In Bruges“ war ich zufrieden, mit „Seven Psychopaths“ weniger, aber ich denke, das ist auf dem Niveau von „In Bruges“ oder darüber, also geht es darum, nicht noch mehr zu vermasseln. Funktioniert nicht allzu oft, aber jeder einzelne ist so ein Standard.

Was haben Sie also gelernt, als Sie sich Seven Psychopaths angeschaut haben und dass Sie damit nicht ganz zufrieden sind?

Die Erkenntnis, dass es vor allem um Charakter und Empathie mit den Charakteren gehen sollte, die man erschafft, die die Schauspieler erschaffen, und nicht um Meta-Klugscheißer. Ich habe gelernt, nicht so angeberisch zu sein und etwas mehr Mitgefühl für die Menschheit zu entwickeln. Oder das zumindest vorzutäuschen.

Was hält Sie heutzutage nachts lange wach? Worüber könnten Sie als Nächstes schreiben?

Lesben. Lesben halten mich nachts wach … Nach diesem Film würde ich gerne etwas mit zwei starken weiblichen Charakteren und zwei starken weiblichen Hauptdarstellern machen.

Und viele Frauen hinter der Kamera wären auch toll.

Ja genau. Bei diesem Film standen viel mehr Frauen hinter der Kamera, bei „Sieben Psychopathen“ fast keine. Vielleicht zeigt sich das an der Qualität des Films, den wir gemacht haben. Ich hoffe es.

Martin McDonagh, vielen Dank.

„Three Billboards Outside Ebbing, Missourri“ kommt ab dem 12. Januar in die britischen Kinos.